Cine fantástico, de terror y de ciencia ficción. Revista online - Scifiworld http://www.scifiworld.es Tue, 21 Aug 2018 03:45:25 +0200 Joomla! - Open Source Content Management es-es "Animando" el verano. (Segunda parte). http://www.scifiworld.es/home/animando-el-verano-segunda-parte.html http://www.scifiworld.es/home/animando-el-verano-segunda-parte.html

Alumbrando el Storytelling o el discurso demencial creativo.                                                

Encuentra la pantalla de cine más grande […], que tenga el mejor sistema de sonido, y comparte la experiencia con extraños en la oscuridad. Hazte con un cubo gigante de palomitas y con un mastodóntico vaso de coca cola, invadido por un ejército de pajitas y disfruta del verano. De eso va Los Increíbles 2.” 

                                                                                                                           Brad Bird.

Bueno, si de lo que se trataba era de animar allá por mediados de Junio, el director y guionista creo que lo ha conseguido. Esas palabras fueron expulsadas en una entrevista, concedida  junto a una de las productoras del film, Nicole Paradis Grindle, la cual se estaba poniendo demasiado seria en cuento a las motivaciones subterráneas que contenía la historia. El director sentenció la cuestión con la citada proclama. Lo curioso del asunto es que se produjo un interesante cambio de “papeles”. Brad Bird, representante máximo de lo artístico, defendiendo el producto palomitero frente a la productora que lo estaba teorizando. ¿Desvarío en Hollywood? Bueno, esto no es nuevo. A veces lo circunspecto llega a transformarse en lúdico. Nos divertimos sobremanera pero al mismo tiempo, descubrimos elementos que desestabilizan ese frenesí, para reconducirlos hacia parámetros opuestos. Este film se nutre de esa especie de demencia creativa. Para llevarla a cabo Brad Bird solamente se apoya en un aliado, y su carrera cinematográfica es su consecución lógica en dicha alianza. Volvamos a sus palabras: “Sé que son tiempos raros, inseguros pero no olvidéis porque estáis aquí. […]. Para contar historias y eso es en lo que deberíais enfocaros, lo demás son distracciones. Estáis aquí para contar una historia alrededor de un fuego de campamento, tan grande como el mundo.”

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Otra arenga, está vez a su equipo creativo recordándoles su misión. El guion como herramienta prístina pero corruptible, donde el uso y desuso de su estructura alumbra el relato. Los Increíbles 2, igual que su antecesora, puede gustar más o menos pero su innegable guion está sólidamente construido sobre una balanza entre lo mundano y lo fantástico. Nada más comenzar, algo maravilloso sucede. La historia empieza justamente donde acabó Los Increíbles (2004), enfrentados al Socavador (John Ratzenberger). La concepción temporal del espectador estalla en mil pedazos. Su asunción del paso del tiempo lo desestabiliza alimentando su curiosidad. Uno tiene la sensación de que fue ayer cuando dejó a la familia Parr salvando el día y ya han pasado, ni más ni menos, que catorce años. Es cierto que no es la primera vez que vemos este tipo de experimento en pantalla, pero resulta atractivo porque cuestiona desde el principio el concepto de percepción que invade todo el andamiaje narrativo del film. Los miembros de la familia se han recompuesto, han asumido sus roles dentro y fuera del ámbito familiar (a excepción de Jack-Jack), y ya pueden hacer frente a su primer obstáculo como supergrupo. Y los resultados, sin menospreciar a su antecesora a niveles autodestructivos, son espectaculares. Han vuelto a fracasar. Realizan lo más duro, el qué (salvar vidas) pero se les escapa lo más importante, el cómo (la apariencia). Y no es una cuestión de ponerse disfraces y mantener el anonimato. Estoy hablando de algo que introduce el personaje de Winston Deavor (Bob Odenkirk) después de la catástrofe: el problema del superhéroe es uno de percepción. Es la idea que tengamos del otro, lo que de verdad importa. De cómo lo veamos, y de esta manera, introducimos el mundo visual, y más concretamente, el de la(s) pantalla(s), “huevo de la serpiente narratológico” del cual nacerá su villano: Raptapantallas (no habría bastado con una traducción literal del original, mucho más adecuada al devenir informático, “Screenslaver” en relación al término “Screensaver”). Su objetivo primordial es el control de las masas, idea que bien podía parecerse a la del simulacro “braudrillardiano” de la sociedad vista a través de sus pantallas simulando lo real. El simple hecho de posicionar unas gafas en alguien y tenerlo bajo su poder, puede ser exagerado pero es esencial en su propósito. Ya que éste es un film animado, aquí podríamos traer a colación la verdadera motivación de la animación: la caricatura. Podríamos decir que nos encontramos ante un proceso de caricaturización donde el animador intenta reducir el objeto animado o la caricatura a su esencia, enfatizándola. El discurso de la película está narrado bajo ese prisma y por eso funciona.

                    Los Increíbles 2. Hipnotizados 2

En numerosas secuencias y planos observamos la presencia de los fondos azulados de las pantallas, como si cubriesen el skyline de Municiberg (la calle infestada de gente mirando televisores hipnotizándoles). El mundo se encuentra esclavizado bien porque, entre otras cosas, somos inconscientes directamente dejándonos llevar por el tedio, o bien somos conscientes de la manipulación y nos dejamos llevar por lo disoluto. El discurso procrastinado del Raptapantallas cuando Elasticgirl va en su búsqueda es demoledor. La gente tiene lo que se merece, o lo que se deja merecer. La pasividad del sujeto siempre ha estado mejor valorada que su contrario. Seamos sinceros, da menos trabajo ver que pensar. Un discurso, por cierto, al que apela Brad Bird al principio de este artículo y al que traiciona al mismo tiempo. No existe mejor prueba que la secuencia donde se intenta  capturar al villano de la función. Tendríamos que hablar de un verdadero tren eléctrico wellesiano maravilloso, y aunque la película está plagada de ellos, la mayoría de las veces se convierten en set-pieces vacuas donde la norma es el ripio, ya sea controlando un tren o un yate.

Habría que hablar de dos procesos creativos que se fusionan en la pantalla iluminando el Storytelling. Por un lado el “puramente” cinematográfico y por otro el musical, conformando una secuencia notable en su propósito de crear un divertimento y, al mismo tiempo, desmontarlo en diferentes compartimentos cinéfilos. En este momento la herramienta fundamental del guion se deja a un lado para dar paso al proceso narrativo fílmico. Ralph Eggleston, diseñador de producción, sabe un poco de esto. Cualquier elemento es fundamental para llegar a reflejar lo que quieres contar. Uno de los casos paradigmáticos del Storytelling de esta película fueron los interiores de la nueva casa de la familia Parr. La casa es muy del estilo de aquellas historias interpretadas por Rock Hudson, con un toque futurista que alterna el pasado  norteamericano. Todos los muebles y accesorios de la casa tienen un único objetivo: ser molestos para sus habitantes. La familia acaba de encontrar una cierta estabilidad pero no es segura, por lo tanto, la mejor manera de relatarlo es poniéndoles trabas y problemas transformando la casa en una auténtica mansión encantada.

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El particular swing de Michael Giacchino, reflejándose en un Schifrin o un Mancini, además de enriquecer el ambiente a ritmo jazzístico también es parte de ese Storytelling en la secuencia de la captura del Raptapantallas. El suave punteo de los platillos anuncia un mundo confortable pero se torna inquietante cuando aparecen redobles de tambores lejanos. Elasticgirl (Holly Hunter) encaramada en una torre observa la superficie de la urbe llegando a descubrir la guarida de su presa. Los redobles lentamente se van haciendo más ominosos llegando a provocar silencios inesperados que después las cuerdas darán su relevo en la partitura. Ligeras notas a lo Williams y un arpa nos abre la puerta de la ratonera. El concepto de suspense hitchcockniano muestra la incertidumbre cinematográfica. Raptapantallas sabe de la presencia de Elasticgirl  de la mano del espectador. Ese momento es deliciosamente corrupto porque tanto el que se esconde (villano) como el testigo (espectador) están unidos frente a la heroína. En esos segundos somos más aliados del Raptapantallas que de la inocente Helen Parr. La heroína pagará caro su acción. El chirrido de trompetas anuncia el desasosiego, la violencia protagoniza los siguientes planos.

                     Los Increibles 2

A cada golpe de puño le viene una subida de tono musical. La secuencia se convierte en insoportable persecución “fincheriana” vertiente Seven (1995), donde la técnica musical interpretativa nos muestra el momento de desconcierto del actante y del narratario. Volvemos a ser aliados. Ese chirrido de trompetas, ahora acompañado de una orquesta, confunde a la propia secuencia, tanto la protagonista como el espectador no tienen el control de la situación y la ruptura de la armonía con ese chirrido, nos lo avisa y nos lo advierte hasta el final. El envoltorio jazzístico apacigua pero como buen ejemplo de dicho género musical, donde la improvisación juega un papel nuclear, unos inesperados punteos sonoros pueden estar diciéndonos que quizás Raptapantallas no haya sido atrapado, la calma no es completa. A través del homenaje cinéfilo, se crea un discurso irónico acerca del posicionamiento del protagonista en la narración, llegando a la conclusión sombría de que los personajes, y en algunos casos el espectador, están también bajo el control de la némesis de la historia y eso alienta el desafío y también da mucho miedo.

El guion sólido pero maleable ha activado su discurso y sigue empujando otros a ámbitos secundarios e incluso terciarios. Por ejemplo, la trama de los superhéroes se torna anecdótica en detrimento de la familiar. El significado de paternidad/maternidad y cómo llevarlo a la práctica, independientemente de qué papel se juegue en un grupo humano (eso también es familia) y sus dinámicas (las inter/relaciones con el otro/s) se torna más decisivo que la vida azarosa superheroica, sobre todo en esas secuencias (que también poseía la primera parte) en las cocinas de las respectivas casas de la familia Parr, genuinos ágoras formativos que cuestionan el significado de ser padre o madre, posicionándolo sobre la inseguridad del aprendizaje diario reconvertido en una búsqueda del hábito. No obstante es tal la amalgama temática que en algunos casos llega a ser muy difícil su secesión. La propia creación de los actantes va sujeta a su sombra superheroica, conformando sus características. Es a través de sus poderes como los conocemos y como los veremos desarrollarse. Quien se lleva el premio aquí es Jack-Jack. ¿Quién es? ¿Qué hace? El director nos dio una pista en la película original pero se la negó a sus progenitores. Es ahora cuando Mr. Increíble (Craig T. Nelson) se dará cuenta y el resto de su familia. Y lo hará también sobre la estructura de algo que ya hemos mencionando, un cambio de percepción: la permutación de roles entre Mr. Increíble y Elastigirl. Jack-Jack como bebé refleja un potencial inexplorado, una posibilidad, que demandará de la ayuda inestimable de Edna Mode (Brad Bird). Personaje “deus ex machina” que ayudará a un Bob desorientado y abatido en su misión paternal, como ya hiciera en la película original.

                    Los increibles 2 2

Los Increíbles 2 podría ser un Blockbuster veraniego más, que lo es, pero si vamos escarbando su superficie nos encontraremos con una “terra incognita” (representada en Jack-Jack), que contiene momentos escalofriantes donde lo sublime hace acto de pantalla (la búsqueda del villano) y donde un grupo de personas logran alcanzar unas cotas de Storytelling impresionantes. El film puede que no llegue a fascinar pero su estudio, tal vez sí. Fin del Verano.

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Proyectom05@hotmail.com (José Amador Pérez Andujar) Animación Mon, 20 Aug 2018 01:47:59 +0200
Abarat (Clive Barker) http://www.scifiworld.es/la-biblioteca-incontable/abarat-clive-barker.html http://www.scifiworld.es/la-biblioteca-incontable/abarat-clive-barker.html Abarat (Clive Barker)

¿Una incursión en la fantasía del maestro del terror sobrenatural? Pues sí, y es justamente tan increíble (en todos los sentidos) como aparenta.

Increíble, pero cierto. Ciertamente, es muy probable que a los degustadores de literatura fantástica o de demás casillas artificiales de géneros aledaños les suene el nombre de Clive Barker (Liverpool, Inglaterra, 1952), pero seguramente lo que les evoque será un mundo de pesadillas surreales y terroríficas tanto en su vertiente literaria (con sus recopilaciones de relatos tituladas tan expeditivamente como “Libros de Sangre”) como cinematográfica (con películas ya míticas como “Hellraiser” o “Razas de Noche”, que también se retroalimentan de sus escritos, basándose en ellos o generando otros nuevos). Alabado por voces tan autorizadas como la de Stephen King, Barker se ha ganado a pulso un lugar entre los creadores de malos sueños, y lo ha hecho con originalidad digna de agradecer, en un género (el terror) que muchas veces es justamente acusado de insulso o repetitivo…

De ahí que sea sorprendente (de hecho, muy sorprendente) que este prolífico hombre decidiese un día probar suerte en la construcción de mundos fantásticos poblados de magia y seres sobrenaturales (aunque a fin de cuentas, esos son parámetros en los que su obra nunca ha dejado de moverse), y allá por 2002 publicase este “Abarat” (que aquí nos llegó un poquito más tarde, aunque es de agradecer que Oz Editorial haya hecho el esfuerzo y lo haya traído hasta aquí doce años después, es decir, en 2014), primera parte de una serie de libros ambientada en un mundo que consiste en veinticinco islas situadas en un océano… en cada una de las cuales solamente existe una hora distinta (y sí, hay una “hora 25”). Es decir, veinticinco mundos distintos y únicos en su idiosincrasia, aunque conectados por ciertos ámbitos y eventos que los cohesionan tanto en su propio pasado con su propio futuro. Y una de las cosas que los cohesionan es precisamente una joven, Candy Quackenbush, que accederá hasta ese lugar cuando invoque al océano nada menos que desde Minnesota, Estados Unidos, con la ayuda de una criatura de aspecto humano pero con cuernos de siete puntas en cada una de las cuales hay una cabeza que habla y piensa por sí misma…

Y es que, claro está, estamos hablando de Clive Barker, y por eso no podemos esperarnos una novela al uso ni un texto que podamos encasillar a voluntad, ya que después de un comienzo más o menos habitual (chica descontenta con su vida llega a mundo mágico), prácticamente cada capítulo nos obliga a detenernos y a visualizar con más o menos detenimiento aquello que su autor nos sugiere, y que además de no tener pies ni cabeza muchas (muchísimas) veces, suele dar un pavoroso pero refrescante miedo nada habitual en estos lares… Y ahí está la gracia, por supuesto: en la originalidad que desprende un relato que a veces podría parecer infantil, y que sin embargo esconde muchos (muchísimos) secretos agradables y que hacen que uno se quede con ganas de más. De mucho más, sin duda alguna.

 

-Un personaje bueno: la propia Candy, que cae bien desde el principio a propios y extraños, y que seguro que es más (mucho más) de lo que parece a primera vista.

-Un personaje malo: el siniestro Cristopher Carroña, con un casco de pesadillas que flotan a su alrededor, y que parece sacado de una película de Mad Max.

-Un personaje distinto: John Fechorías (y sus siete hermanos, por supuesto).

-Un personaje definitivo: el propio mundo de Abarat, y su mar con nombre propio, Izabella. Cualquier cosa que suceda en un lugar así es más que interesante…

  • Abarat
  • clive barker
  • clive barker
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    Jhazael2001@hotmail.com (Házael González) La Biblioteca Incontable Sun, 19 Aug 2018 20:41:43 +0200
    Megalodón http://www.scifiworld.es/reviews/megalodon.html http://www.scifiworld.es/reviews/megalodon.html Megalodón

    Para comerte mejor

    10 años. 10 años es lo que aproximadamente ha tardado en ver la luz el proyecto The Meg, desde que los derechos de la novela de Steve Alten fueron comprados. Una novela que por cierto iniciaba una saga literaria de ocho libros y que a falta de ser leída por servidor, no me da la sensación que hayan adaptado al pie de la letra, sino que habrá sido prácticamente explotar por encima la idea y sobre todo al animal protagonista. Pero digo esto, por que los amantes del cine, de los tiburones y, por ende, del cine de tiburones, llevábamos siguiendo este proyecto desde hace una década, e incluso muchos ya lo habíamos olvidado, pero 2018 ha sido el año. Lejanas quedan ya las noticias en las que se anunciaba a Eli Roth como director de la producción, algo que, ante todo, hay que reconocer, interesante habría sido.

    Lejanas quedan también aquellas infectas cintas de principios de siglo cuya trama giraba entorno al tiburón fósil aquí protagonista. Así, como antecedente, tenemos que destacar Megalodon (2002) de Patt Corbitt y Shark Attack 3: Megalodon (2002) de David Worth (también conocida como Terror en el Abismo), como digo, ambas abyectas. Y sin poder criticar, ya que no he tenido la suerte de verlas aun, no podría comenzar este texto sin citar Jurassic Shark (2012) de Brett Kelly, cuya pinta me inquieta y como no, el estreno Asylum correspondiente al blockbuster que hoy nos ocupa y de también título Megalodon, dirigida por James Thomas y con Michael Madsen entre sus filas... Que ganas…

    Pero vamos ya con la cinta de Jon Turteltaub (La Búsqueda, 2004) mercenario de mercenarios y todo un experto en esto del PG13. Por cierto, un PG13 que ya te deja avisado de lo que vas a ver, que a nadie le extrañe y se queje después, aunque bueno, que cosas digo, en esto de quejarse, parece no haber fin sea cual sea el tema a tratar. En cualquier caso, te puedes hacer una idea de que el film no va a ser lo violento que debería ser con un pez cabreado y hambriento de 25 metros haciendo de las suyas en alta mar. Aunque con el tamaño de un edificio, un animal así, mas que comer y masticar, como haría un blanco de 5 a 10 metros, engulle o absorbe a sus presas siempre que estas sean humanos y no ballenas… sea como fuere tenemos que hacernos a la idea de que la hemoglobina no va a ser el punto fuerte de la película. Y no solo por el PG13, sino por que una cinta que ha costado 130 millones de euros y que va a intentar, evidentemente, amasar lo máximo posible de pasta, es raro que vaya a incluir grandes dosis de violencia en su metraje.

    Jason Statham protagoniza y fácilmente puede tratarse del primer protagónico de Statham en una súper producción, ya que sin ser parte de un reparto coral de estrellas de acción (Los Mercenarios, 2010 de Sylvester Stallone) o villano (Fast & Furious 7, 2015 de James Wan) sería la primera cinta en la que Statham es la cabeza visible en un proyecto de esta magnitud económica, ya que ni The Mechanic (2011) de Simon West o Transporter (2002) de Louis Leterrier y Corey Yuen, dos de sus cintas más cotizadas, costaron lo que esta. Le acompaña Rainn Wilson (La Casa de los 1000 Cadáveres, 2003 de Rob Zombie), haciendo de excéntrico multimillonario capullo, la estrella oriental Bingbing Li (Transformers: La Era de la Extinción, 2014 de Michael Bay) o la superwoman Ruby Rose (Resident Evil: El Capítulo Final, 2016 de Paul W.S. Anderson). Entre ellos y el resto del cast, componen un crisol de personajes estereotipo que harían sangrar por los ojos a cualquier erudito del cine de Tarkovski, pero que nosotros ya esperábamos sobradamente. No solo a los personajes cargantes sino también sus diálogos inventados sobre la marcha y unas explicaciones científicas que bien podrían haber sido dadas por el Dr. Nick Riviera de Los Simpsons. A parte de esto y dejando de lado la desilusión que se vayan a llevar aquellos que se acerquen a Megalodón esperando que sea el próximo Premio Óscar a mejor guion, no deja de ser una película amable, divertida, que está filmada con solvencia visual y que muestra su punto fuerte en el diseño de producción, con unas persecuciones submarinas notables y unos micro-submarinos y efectos visuales bajo el agua que en ningún momento te sacan de la película. Tal vez, lo que si sea decepcionante, sea la primera aparición del Megalodón, pero eso ya va a gustos personales claro.

    Las situaciones de la trama beben de otras cintas de tiburones conocidas, por lo que haremos un repaso a este hecho; el inicio, con ese millonario inepto que llega a una plataforma oceánica donde se experimenta con no se sabe muy bien que, nos remite a Deep Blue Sea (1999), película de Renny Harlin de finales del siglo pasado (que fuerte suena eso) de la cual me considero un gran defensor. Con el paso de los minutos la película va acercándose más a Jaws 3D (1983) de Joe Alves, con ese complejo de túneles submarinos que permiten ver el fondo del mar y donde se produce uno de los primeros ataques cuando nuestro amigo el megalodón sale de la sub-fosa de las Marianas donde se encontraba viviendo tan a gusto. Y por último, las reminiscencias, cómo no, al primer Jaws (1975) de Spielberg son claras cuando el equipo se lanza a la caza del gigantesco escualo o cuando este ataca la playa, secuencia de la que se esperaba más y que previsiblemente tendrá más minutos en la versión uncut que saldrá en bluray. Incluso muchos diálogos parecen calcados a los del gran clásico de los setenta ¿Homenaje o plagio? Creo, sinceramente, que ninguno de ellos, simplemente me gusta creer que se estaban partiendo mientras escribían el libreto.

    Sin más y para ir terminando decir que la cinta está en su mayor parte enfocada a ser explotada en el mercado chino, algo que Hollywood hace no mucho ha descubierto y que le está dando sus frutos en forma de millones de dólares como ya hicieron Transformers: La Era de la Extinción, Pacific Rim 2: Insurrección (2018) de Steven S. DeKnight o continúa haciendo Skyscraper (2018) de Rawson Marshall Thurber. Con parte del capital chino y llevando la acción en su totalidad o en parte al país del sol naciente (aunque en esta ocasión Megalodón se filmó en Nueva Zelanda) y con alguna que otra estrella en el reparto, parece ser que el éxito está asegurado.

    En resumidas cuentas, sabiendo lo que vas a ver y teniendo en cuenta que es prácticamente una película familiar, no deja de ser un armónico pasatiempo veraniego. Lo que te promete te lo da, ataques de un gigantesco tiburón prehistórico y un Statham en plena forma al que se le abre aquí, un nuevo abanico de proyectos como prota.

    • Megalodon
    • Jason Statham
    • Jon Turteltaub
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      ignacio@artisticfilms.es (Ignacio López Vacas) Críticas Wed, 15 Aug 2018 12:35:22 +0200
      Te invitamos al programa doble !Zarpazos! Un Viaje por el Spanish Horror + L'Ultimo Squalo a.k.a. Tiburón 3 http://www.scifiworld.es/eventos/te-invitamos-al-programa-doble-zarpazos-un-viaje-por-el-spanish-horror-lultimo-squalo-a-k-a-tiburon-3.html http://www.scifiworld.es/eventos/te-invitamos-al-programa-doble-zarpazos-un-viaje-por-el-spanish-horror-lultimo-squalo-a-k-a-tiburon-3.html Te invitamos al programa doble !Zarpazos! Un Viaje por el Spanish Horror + L'Ultimo Squalo a.k.a. Tiburón 3

      Puedes asistir al fabuloso programa doble que tendrá lugar en la VI Muestra de Cine Lo + Prohibido

      Junto con la distribuidora Artistic Films te invitamos al programa doble con aroma ochentero de la VI Muestra de cine Lo + Prohibido, en la sala madrileña Artistic Metropol compuesto por el documental ¡Zarpazos! Un Viaje por el Spanish Horror (2013) de Víctor Matellano, que repasa los mejores años del fantaterror español + Q&A con el director y el film que inició el subgénero jawsploitation más atrevido L'Ultimo Squalo a.k.a. Tiburón 3 (1981) de Enzo G. Castellari. Film nacido a rebufo de la serie original Jaws y que probablemente superó en calidad e ingenio a la tercera parte oficial de Joe Alves.

      Para participar, envía un whats app con tu nombre, apellidos y mail al 685959074. 
      Cupo de entrada dobles limitado.
      *Pase: Sábado 11 a las 19:30 h.

      • Artistic Metropol
      • Muestra de Cine Lo + Prohibido
      • Zarpazos
      • Tiburon 3
      • Victor Matellano
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        ignacio@artisticfilms.es (Ignacio López Vacas) Eventos Fri, 10 Aug 2018 17:01:21 +0200
        ZOMBI http://www.scifiworld.es/libros/zombi.html http://www.scifiworld.es/libros/zombi.html ZOMBI

        Una de las mejores novelas splatterpunk en lengua hispana vuelve a ser editada.

        Zombi es una novela que está llamada a convertirse en un clásico. Su historia, tremendamente cruel y oscura, está construida con trozos de vidas destrozadas, cosidos con muy mala uva y sin sentido alguno de la esperanza o la redención. Todo en Zombi está maldito, desde las terribles circunstancias de los personajes protagonistas, un grupo de enfermos terminales que dedican sus últimos días a luchar como gladiadores en un sucio negocio clandestino, a la no-visión que tienen estos de su futuro, inexistente o algo mucho peor.

        La edición cuenta con una nueva revisión de la obra, un prólogo del cineasta y novelista Juanra Fernández, y un relato, La chica del parche rojo, como sangriento colofón.

         

        Su sinopsis reza así:

        SI SUPIERAS QUE HAS MUERTO… ¿QUÉ MOTIVO TENDRÍAS PARA VIVIR? Están ahí. Son un rumor en nuestro mundo, polvo bajo la alfombra. Algunos han dado pie a leyendas urbanas, historias sobre combates a muerte transmitidos en directo por la Deep Web, o vendidos más tarde en vídeo a compradores con extrañas apetencias. Se dice que son enfermos desahuciados, muertos en vida a los que se les paga una pequeña fortuna a cambio de sangrar y sacarse la piel a tiras. Juan Díaz Olmedo construye su novela alrededor de este escalofriante submundo encriptado en el ADN de nuestra sociedad, poblado por seres que viven sus últimos días en una vorágine de violencia y dinero.

         

        Puede adquirirse aquí: https://www.edicionesvernacci.com/producto/zombi/

         

        Y aquí algunas de las geniales críticas que ha recibido:

        «Zombi es una historia dura, violenta y sin concesiones. Los excesos y la apología de la autodestrucción como medio para poder seguir adelante puede ser un planteamiento difícil de digerir para los estómagos sensibles, pero la honestidad que palpita en sus páginas es innegable y su mejor baza»

        Athnecdotario Incoherente (Web de crítica literaria)

         

        «Con más dotes de observación que imaginación, Olmedo nos cuenta lo que pasa en la calle cuando dormimos. ¿Estáis preparados para saberlo?»

        David G. Panadero (Novelista y director de la revista Protesis “

         

        Jezabel, que es la protagonista principal de la novela, se verá inmersa junto al resto de sus compañeros en una espiral sin control de la que ninguno podrá escapar. Vida, muerte, sexo, violencia, y una pizca de crueldad necesaria y justificada”

        David Yuste (Escritor)

         

        Sobre el autor:

        Juan Díaz Olmedo nació en Cádiz, en 1976, aunque por motivos profesionales reside en Sevilla. Miembro fundador de Nocte (Asociación Española de Escritores de Terror), se reconoce fuertemente influenciado por autores como Iain Banks, Clive Barker o Poppy Z. Brite. Su primera novela, “Marionetas de sangre”, fue publicada en 2004 y es considerada hoy en día una pequeña obra de culto. En el año 2006 fue nominado a los premios nacionales Xatafi e Ignotus en la categoría de mejor relato por “Dragón podrido”, publicado en Paura Vol.2. Dos años más tarde colaboró con dos microrrelatos en el libro “King Kong Solidario”, publicado por el Festival de Cine Fantástico de Sitges. Su segunda novela, “Zombi”, llegó en el año 2016, y pese al escaso impacto de la edición supuso una apasionante incursión en el género bizarre-noir. Por último, ha publicado “Ghoul”.

        • Zombi
        • Ediciones Vernacci
        • Juan Díaz Olmedo
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          ignacio@artisticfilms.es (Ignacio López Vacas) Libros Thu, 09 Aug 2018 01:24:27 +0200
          La Primera Purga: La Noche de las Bestias http://www.scifiworld.es/reviews/la-primera-purga-la-noche-de-las-bestias.html http://www.scifiworld.es/reviews/la-primera-purga-la-noche-de-las-bestias.html La Primera Purga: La Noche de las Bestias

          Primera purga, viejo truco

          Cuatro, sí. Ya van cuatro entregas de la distopía social futurista que hace unos años invadía nuestra cartelera en forma de home invasion y con Ethan Hawke y Lena Headey encabezando el proyecto. Le continuaban dos films que se acercaban más al survival horror urbano en las que el héroe de la función era Frank Grillo. La tercera, por cierto, un auténtico placer culpable. 

          En esta ocasión se nos da a conocer el inicio de todo este experimento, algo a priori más que interesante. Para mantener durante el resto del año la tasa de criminalidad por debajo del 1%, los Nuevos Padres Fundadores de América ponen a prueba una teoría sociológica que da rienda suelta a todo tipo de agresiones durante una noche en una comunidad aislada. Pero cuando la violencia de los opresores se encuentra con la ira de los marginados, el vandalismo explota más allá de esas fronteras “experimentales” para extenderse por todo el país. 

          Algo en esta cuarta entrega ya olía a chamusquina desde el principio. El proyecto tardó en producirse más de lo previsto, el señor DeMonaco, si bien se encarga del libreto, es la primera vez que cede el trono de director en "su" saga... Pero todo, claro, eran especulaciones tontas. Tan tontas, que se confirman tras ver la película. Es el capítulo más flojo de la franquicia con diferencia, ya que parece haberse olvidado y se distancia más cada vez del verdadero aroma que ha de desprender la serie. Sin olvidarse de uno solo de todos los clichés de las blaxploitation de pandilleros, la cinta pone más carne en el asador para dar un discurso político que todo el mundo conoce ya con tres o cuatro explicaciones iniciales y que poco interesa sin mostrar la locura esperada en pantalla. Y, además, ni siquiera explorando ese discurso en lo políticamente incorrecto que podría y debería haber sido, teniendo entre manos un material así. Un guion repleto de conversaciones demasiado evidentes es uno de los principales problemas. 

          Se nota que la mano de DeMonaco ha desaparecido en el set y al final su nuevo responsable, Gerard McMurray, es incapaz de levantar una conexión con el espectador como hicieran en su día en buena medida la primera y la tercera entregas. 

          Entre el cast destaca Marisa Tomei, aunque lo hace por ser uno de los pocos, sino el único, rostro conocido del reparto, ya que dura medio asalto en la historia. 

          En resumidas cuentas, una irregular cuarta parte que deja la franquicia bastante tocada, ya que los síntomas de agotamiento son evidentes. Mucho van a tener que trabajar para intentar levantarla. Una precuela que pierde toda la originalidad con respecto a la que liberaban los otros títulos de la serie. 

           

           

          • La primera purga
          • La noche de las bestias
          • James DeMonaco
          • Marisa Tomei
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            ignacio@artisticfilms.es (Ignacio López Vacas) Críticas Wed, 08 Aug 2018 00:44:46 +0200
            Blackwood http://www.scifiworld.es/reviews/blackwood.html http://www.scifiworld.es/reviews/blackwood.html Blackwood

            Este internado ya lo habíamos visto antes

            Basada en la novela de Lois Duncan Down a Dark Hall, Rodrigo Cortés retorna a las carteleras con un atípico estreno veraniego, pero que igual sigue sirviendo para conglomerar quinceañeros/as en las salas y que no paren de gritar desde el minuto uno hasta los créditos. 

            Cuenta como cinco chicas de comportamiento problemático son internadas en un programa experimental de enseñanza para explotar dones artísticos impartido por la enigmática Madame Duret, la mismísima Uma Thurman, pasada de botox para la ocasión. Pronto, y como todos ya auguraréis, comienzan a desarrollarse extraños fenómenos en el edificio, sueños extraños y lagunas de memoria que nadie puede explicar, y los que pueden, no lo hacen.

            Esta vez Cortés se ha decantado por ofrecer una cinta oscura a modo de terror gótico adolescente donde no tenemos una trama de carácter simplista más. No. Todo lo contrario, lo que tenemos es un estimulante misterio inicial que con el paso del metraje se va enmarañando, tal vez y llegados a un punto en exceso, hasta que al final, el elevado número de referencias y lo lioso de la exposición del relato terminan por provocar una agobiante sensación de déjà vu

            La película se va desarrollando a fuego lento y en punto muerto, casi sola, donde la protagonista AnnaSophia Robb hace todo lo posible por destacar... y casi lo logra. Todo lo contrario que una Uma Thurman que parece desconectada e inconexa, como si se hubiera colado de otra película. La musa de Tarantino parece poner solo el caché de su nombre y poco más.

            Por otro lado, las similitudes con el estilismo que desprende el cineasta también español Jaume Balagueró son (ya no solo a niveles visuales, esas penumbras tan Darkness) muy próximas argumentalmente. Tal vez en exceso, sobre todo por los pocos meses que separan el estreno de una y otra, con todo lo relacionado con las musas que recuerdan bastante al último film del catalán.

            En resumidas cuentas, una producción para pasar el rato de una calurosa tarde de verano, pero que no consigue despuntar lo que debería en relación al resto de propuestas, tanto estrenadas este año cómo no, a las que se les acerca en target de espectadores.

            • Blackwood
            • Rodrigo Cortés
            • AnnaSophia Robb
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              ignacio@artisticfilms.es (Ignacio López Vacas) Críticas Tue, 07 Aug 2018 23:53:37 +0200
              VI Muestra de Cine Lo + Prohibido http://www.scifiworld.es/eventos/vi-muestra-de-cine-lo-prohibido.html http://www.scifiworld.es/eventos/vi-muestra-de-cine-lo-prohibido.html VI Muestra de Cine Lo + Prohibido

              La sala de cine madrileña Artistic Metropol acogerá del 9 al 12 de agosto una selección de las películas más polémicas, controvertidas, transgresoras y censuradas de la historia del cine.

              Prohibido Prohibir

              Un año más, y ya van seis, se celebrará la ya consolidada “Muestra de Cine Lo + Prohibido” en la que durante cuatro días el cine Artistic Metropol proyectará una selección de títulos, a cuál más políticamente incorrecto, que promete no dejar indiferente a nadie de los que se atrevan a asistir. De los dieciocho largometrajes que serán exhibidos, cinco de ellos optarán a premio del público. Cinco propuestas internacionales de habla hispana de lo más extremas entre las que se encuentran la cinta más controvertida del cine chileno y que abrirá la muestra: Trauma (2017) de Lucio A. Rojas. Una suerte de rape & revenge que ha levantado ampollas allí donde ha ido y muy especialmente en el Festival de Cannes, donde el público quedó en estado de shock tras la proyección. Atroz (2015) de Lex Ortega cuenta con el título honorífico de ser “la cinta más violenta de la historia del cine mexicano” y en la que seguimos los actos más depravados de dos asesinos seriales a los cuales la policía les ha incautado las cintas que filmaban a sus víctimas. Como particularidad, la película es presentada por Ruggero Deodato, director de la célebre Holocausto Caníbal. La Dama del Bosque Maldito (2018) de George Karja es una producción nacional donde el terror y lo fantástico se unen para atormentar a los protagonistas en forma de leyenda local. La también española La Cosecha (2014) de Roberto Santiago optará al premio también, un film rodado en formato found-foutage que une elementos de comedia y terror y homenajea a una muy celebre saga de ciencia ficción de la que no desvelaremos el título para no caer en spoiler . Se antoja como uno de los títulos más divertidos de la muestra. Y cerrando el apartado del premio del público, Animal (2015) del argentino Fernando Balihaut, que estará presente en la proyección y presentará su película, una provocadora cinta que ganó el premio Biznaga de Plata en el Festival de Málaga, donde también dejó al público helado.

              El premio a la ganadora de estas cinco producciones será la adquisición de derechos y distribución por parte de Artistic Films y Begin Again Films.

              Fuera de competición, el resto de la programación se compone de Yo, Christina F (1981) de Uli Edel y basado en la novela de Kai Hermann y Horst Rieck, donde veremos a una joven de catorce años prostituyéndose para poder pagar su adicción a la heroína. La producción patria La Raíz del Mal (2008) de Adrián Cardona (director del cortometraje de culto Brutal Relax) ofrecerá un festival de gore extremo para los paladares más exquisitos en la materia. Una de las piezas que todo cazador de rarezas no debería dejar escapar es American Guinea Pig: Bouquet of Guts and Gore (2014) de Stephen Biro, la continuación estadounidense de la serie de films pseudo-snuff Guinea Pig. (Exclusivamente mayores de 18 años. La organización advierte que esta película contiene escenas de extrema violencia que pueden herir la sensibilidad del espectador). En la misma línea de crudeza se proyectará por primera vez en pantalla grande en España gracias a Vial of Delicatessens The Bunny Game de Adam Rehmeier, un demoledor e innovador producto que nos presenta un tortuoso juego en el que una prostituta cocainómana de Hollywood es secuestrada durante cinco días por un maniático camionero. El film servirá de clausura. También por cortesía de Vial of Delicatessens llegarán el bíptico del maestro Jesús Franco La Cripta de las Condenadas (2012), que se proyectará en dos partes, el cortometraje seleccionado para los Goya Tio Jess (2012) de Víctor Vatellano y Hugo Stuven que muestra los conflictos en pleno rodaje de una de las últimas películas del propio Franco y el cortometraje transgresor Abashed de Jessica González, que estará presente en el pase.

              También podrán verse una serie de clásicos cuidadosamente seleccionados para la ocasión. Entre lo más destacable figura L’ultimo squalo a.k.a. Tiburón 3 (1981) de Enzo G. Castellari, la sharkploitation italiana que fue prohibida por tratarse de una secuela bastarda de la saga oficial de Spielberg. La cinta se exhibirá en programa doble junto al documental ¡Zarpazos! Un Viaje por el Spanish Horror (2013) de Víctor Matellano, que repasa los mejores años del fantaterror español. El cineasta colmenareño presentará su documental y dará datos de lo más interesantes de la película de Castellari. Uno de los grandes clásicos polémicos que se podrán ver será La Noche del Cazador (1955) de Charles Laughton con Robert Mitchum. Un drama perverso e inquietante que se encuentra entre las mejores películas de la historia del cine. Otro clásico, aunque de otra tesitura, es El Destripador de Nueva York (1982) de Lucio Fulci. Un film por el que el maestro italiano se ganó la fama de misógino… juzguen ustedes mismos. Sin salir de los ochenta, también se podrá ver Henry, Retrato de un asesino (1986) de John McNaughton y con Michael Rooker. Una oscura cinta que explora la psique de un despiadado asesino que sale de prisión tras asesinar a cuchilladas a su madre. Y no podía faltar en este apartado el principal exponente de la conocida como “Nueva Carne”; Vinieron de dentro de… (1975) es una de las primeras y más enfermizas películas de David Cronenberg y también se podrá disfrutar durante el festival. Y cerrando la sección clásicos, un referente noventero del cine independiente más duro; Kids (1995) de Larry Clark narra las controvertidas vivencias, en clave semi-documental, de un grupo de adolescentes que se drogan y mantienen relaciones sexuales con el fantasma del SIDA planeando sobre sus cabezas. Un cruel relato de la vida en las calles de la época.

              Y cierra la programación de esta sexta edición de Lo + Prohibido dos sesiones especiales con los cortometrajes más eróticos y terroríficos del panorama patrio actual.

              Sesión Cortometrajes Eróticos Premios Bonobo:

              La doma (2018) de Fernando Sánchez Dragó. 
              Una opinión sobre pornografía (2018) de Tonino Guitián.
              I Feel Love (2018) de Paloma Aznar (Vampirella)
              IDE (2018) de Carlus Padrissa (La Fura dels Baus)
              El súcubo (2016) de Jaime Chavarri.
              * Con la presencia del director de Premios Bonobo Antonio Marcos.

              Selección de cortometrajes de terror a cargo de Erik Gatby:

              Chicaman (2017) de Ángel M.Saló
              Fist of Jesús (2012) de Adrián Cardona y David Muñoz.
              Canibal Rave Alfonso García
              Into the mud (2016) de Pablo S. Pastor.
              Metamorfosis (2013) de Sergio Morcillo.
              Space Trash Bag (2017) de José Casas.
              * Con la presencia de Erik Gatby.

              Programadores: Ángel Mora & Ignacio López Vacas

              Agradecimientos especiales: Reel SuspectsLex OrtegaLa Kátana FilmsGeorge KarjaVial Of DelicatessensFerran HerranzVíctor MatellanoDavid Cortázar AgüeroImagen DeathJavier PereaApeogaAntonio Marcos, Thagson,  Erik GatbyTeatraco a las 12Jessica González, Lucio A. Rojas.

              * La organización se reserva el derecho de admisión y podrá solicitar DNI.

              * Todas las películas se proyectarán en versión original subtitulada en castellano excepto American Guinea Pig: Bouquet of Guts and Gore (V.O.)y L’ultimo squalo a.k.a. Tiburón3 (Doblada a español).

              Más información, horarios y venta de entradas: www.artisticmetropol.com

              Entrevistas: cinema@artisticfilms.es. Teléfono: 91 527 27 92

              • Festival
              • Lo + prohibido
              • Artistic Metropol
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                ignacio@artisticfilms.es (Ignacio López Vacas) Eventos Sun, 29 Jul 2018 18:04:56 +0200
                Los Desposeídos http://www.scifiworld.es/libros/los-desposeidos-2.html http://www.scifiworld.es/libros/los-desposeidos-2.html Los Desposeídos

                Inmortal Le Guin.

                La editorial Minotauro reedita Los Desposeídos (1974) de la genial Ursula K. Le Guin, edición limitada con unas calidades casi artesanales en su formato y numerada a 1.250 unidades exclusivamente. Es Le Guin no sólo mi escritora favorita si no también la culpable de transportarme a mundos que mi imaginación agradece a niveles comparables únicamente a los conseguidos por Tolkien o Asimov.

                Desde que el escritor, físico y traductor al castellano del autor Neal Stephenson, Pedro Jorge Romero me aconsejara vívamente su lectura, mucho tiempo he esperado para poder leer la que para muchos es su gran obra maestra. Creo sinceramente que tiene más de una y de dos y de tres y...

                Aunque no me ha conmovido hasta lo más profundo de mi ser como la lectura de La Mano Izquierda de la Oscuridad (1969), esta novela es de lo mejor que he disfrutado en mi vida. Todo lo que plantea en su libro, es la propia crónica de nuestro devenir errante como especie, de nuestros fracasos como Sociedad, pero también de la mínima esperanza que aún tenemos de progresar para legar un futuro mejor a las próximas generaciones.

                La escritora californiana (Berkeley, 1929) fue una convencida feminista y taoísta, que completó una longeva vida en plenitud y armonía con el entorno con el que convivió -su adorado Portland, con sus bosques húmedos y sus montañas brumosas, que refleja con maestría en La Rueda Celeste (1971)-. Precursora, como en su momento lo fuera también Mary Shelley, de una Literatura anclada en la óptica masculina, siempre defendió la calidad del género Fantástico y de la Ciencia Ficción, tan denostados por muchos de sus colegas como artes menores. Concepción errónea a todas luces dada la alta calidad de sus escritos, ambientados en su mayoría en mundos futuros, sí; pero abordando temáticas filosóficas, políticas y éticas sobre la condición humana, desde una amplia y generosa visión humanista que firmaría el propio Bertrand Russell.

                De hecho, nunca ocultó su particular querencia hacia el Nobel de Literatura, pero no para su vanagloria, si no para dignificar los géneros que abordaron insignes plumas como los ya mencionados o los Pohl, Herbert, K. Dick, Heinlein o Clarke; por citar sólo algunos de los más aclamados. Y veía, con cierta sorna, el aplauso inmerecido que otros autores recibían por obras "inspiradas" en sus trabajos. No le dolían falsas imposturas a la hora de criticar a J. K. Rowling, por su mago Potter, trasunto del protagonista de la Saga de Terramar, así como los territorios y especialmente los dragones recreados por George R. R. Martin en su inacabada serie de Canción de Hielo y Fuego, anémicos "homenajes" que semejan gallinas desplumadas frente a la magnitud y realeza de los disfrutados por Le Guin. Y también, ¡cómo no!, el fusilamiento sin compasión que el megalómano James Cameron presenta en su Avatar (2009), vácua pretenciosidad carente de la más mínima originalidad como descubrimos al leer las aventuras de Rocannon. Como confesó en una entrevista de 2012 al periodista Jacinto Antón: "al menos podían haberme dado las gracias".

                Los Desposeídos, premio Nebula de 1974 y ganador del Hugo y el Locus de 1975 como mejor novela, es una ambígua utopía perteneciente al Ciclo del Ekumen, término que proviene del griego Ecúmene y que significa "mundo habitado". El Ekumen, por tanto en su ideario personal, es una Federación Galáctica de mundos habitados por razas humanas, algunas de ellas evolucionadas a especies superiores como los hainitas que tutelan altruísticamente la supervivencia de las diferentes especies de humanoides que malviven en las casi siempre duras condiciones de los hábitat que les toca por vivir.

                Iniciada en 1966 con la novela El Mundo de Rocannon, 2.500 años después de la primera expansión de la Humanidad, le seguirían Planeta de Exilio publicada el mismo año, La Ciudad de las Ilusiones (1967), La Mano Izquierda de la Oscuridad (1969), El Nombre del Mundo es Bosque (1972), para finalizar con el libro a tratar hoy, un excepcional estudio sobre dos sociedades antagónicas. La del planeta Urras, liderada por la salvajemente capitalista A-Io y la de su inhóspita y árida luna Anarres, con sus integrantes centralizados por una Administración Única Anarquista, excesivamente burocratizada y aislada casi totalmente de cualquier contacto con el Ekumen, pero que logra la práctica total implicación de sus habitantes en las tareas que sean necesarias realizar, aunque para ello tengan que sacrificar conciliaciones familiares y personales.

                En dicha luna, destaca un joven físico teórico multidisciplinar llamado simplemente Shevek (los nombres son elegidos por una computadora central y no tienen apellidos). Shevek habla el Právico, idioma creado por los anarquistas en donde se eliminan muchas formas del posesivo. Un ejemplo de ello es que los anarrianos no poseen nada propio. "El pañuelo que uso, lo comparto contigo" en vez de "mi pañuelo, te lo presto". Y creen firmemente en tales postulados. Pero Shevek, para desarollar su Teoría que supera las limitaciones de la Física Relativista necesita medios y técnicas que sólo Urras puede ofrecer y aquí empezarán los conflictos ético-morales, filosóficos y políticos.

                Le Guin, plantea con maestría y con didáctica agilidad, temas vitales rebatidos desde el inicio del librepensamiento de la Humanidad. No es sólo una novela. Es una "magnum opus" sobre la Libertad, la Igualdad, la Fraternidad y las luchas de clases que hay que afrontar, las revoluciones que se deben librar y la esperanza como empuje y soporte del camino hacia el final deseado para una evolución imprescindible si queremos preservar la especie humana.

                El 22 de enero del presente año, esta poetisa, traductora, filántropa, Gran Maestra de la Asociación de Escritores de Ciencia Ficción y Fantasía de los EE.UU., madre amada y mujer reverenciada realizó su último viaje hacia la inmortalidad como unidad absoluta, ejemplo de superación personal y de progreso con la colectividad.

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                javieraldariz@hotmail.com (El Guerrero Mandingo) Libros Sun, 22 Jul 2018 13:25:09 +0200
                "ANIMANDO" EL VERANO. http://www.scifiworld.es/home/animando-el-verano.html http://www.scifiworld.es/home/animando-el-verano.html

                EN DEFENSA DE UN CONTINENTE, HONRADO.

                Ya estamos en verano y eso, para algunos, significa solamente una cosa, vacaciones. Descanso, laxitud y esa “nada” metafísica que nos envuelve y que también se puede yuxtaponer a una metanarrativa cinematográfica. Y es que siempre se ha considerado a esta época como una de las estaciones más flojas, mutándose en un cajón de sastre de la nulidad creativa más exacerbada, pues bien ha tenido que ser la Animación, otra vez, quien nos ha desperezado del tedio estival. Y lo ha hecho con dos propuestas, que sin convertirse en películas perfectas consiguen, en algunos aspectos, entretener honradamente al vulgo.  El adjetivo construido adverbialmente no es anecdótico sino premeditado. Una es una producción alemana y la otra, norteamericana. Quizás la primera sea la más arriesgada, aunque siga a rajatabla las coordenadas del cine mainstream hollywoodiense en casi todo su metraje y la segunda, auspiciada por las reglas de una saga en la que se está transformando, también. Estoy hablando de Luis y los Alienígenas (Christoph y Wolfgang Lauenstein) y de Hotel Transilvania 3 (Genndy Tartakovsky). La primera llevaba a cabo por dos hermanos que están empezando en esto, aunque hayan hechos cosas como la animación de la parte onírica del film The Fall (Tarsem Singh, 2006), y la segunda realizada por un conocido hombre de acción, sus primerizas Guerras Clon (2003-2005) son ejemplares al respecto, por citar algo que quizás el neófito animado desconozca independientemente del éxito cosechado en Cartoon Network.

                                     Luis y los alienígenas 4  

                La historia de Luis es la del weirdo o si se quiere, la del friki del barrio. Pero detrás está la estructura narrativa de la figura del perdedor. La identificación con el espectador es eficaz desde el minuto uno, cuando la soledad del niño lo acompaña en el interior del autobús escolar, después de una excursión. Uno a uno sus compañeros van siendo recogidos por sus padres pero a él, solo le espera una bicicleta a punto de reventar de camino a casa. Luis lo tiene asumido desde muy pequeñito, su padre está en las nubes literalmente y es en el hogar donde mejor se pueden analizar las heridas. Detengámonos en el primer continente o veamos la forma. Es algo que me fascina, ya sea dentro de una película o entre las bambalinas de una obra de teatro, sin olvidarnos del interior de una novela o en la mirada puesta sobre una pintura. El cómo dice el autor las cosas más que el qué, o cómo lo vemos plasmado en un escenario, escena o ambiente creado, son de vital importancia para su inmersión total en su historia, incluso en algunos casos, hasta la salva de la quema crítica. El escrutinio de la observación puede regalarnos la(s) posibilidad(es) narrativa(s). Aventurarnos y perdernos en su geografía nos vaticina el desenfreno del entretenimiento, al menos lo que dura la estadía de la acción de sus actantes. Pero además insufla un hálito verídico, y por tanto, empodera la posibilidad de un contexto circunscrito al relato, hasta llegar al paroxismo de llegar a creer que lo que vemos o leemos es realmente lo que pasó, o así fue como sucedieron los hechos, desprestigiando a la propia realidad sosa que nos ahoga diariamente.

                 

                                      Luis y los alienígenas 5

                La casa de Luis lo fagocita y con él, a nosotros. Si existe un ejemplo paradigmático de lo dicho, sería otro film animado que tiene a una casa y a sus objetos que la habitan como protagonista de su ficción, Up (Pete Docter, 2009). Bien, la geografía de la casa del protagonista es de una minuciosidad extrema y el detalle nos ayuda a comprender mejor las motivaciones de sus habitantes y facilita, aún más, su tipificación sentimental. El caos reina en el hogar y eso es de agradecer frente al orden impoluto de otros interiores, como el de  la casa de enfrente, y es que la casa de Luis resiste la moda arquitectónica de la de sus vecinos, que parecen construidas en serie (¿les suena de algo las típicas urbanizaciones de allí y de acá?). Las colecciones de volúmenes apilados sobre la escalera o derrumbados, desperdigándose por el salón, el empapelado desconchado de sus paredes, son ejemplares de una dejación por parte del padre de Luis y caracterizan la ausencia de una tercera persona.

                                     luis-y-los-alienigenas-00   

                Después del proceso de identificación cabe su desarrollo. La curiosidad ya está justificada sobre lienzos donde aparecen tríos familiares. Luis ha perdido a su madre y vive con un padre ausente. El concepto de pérdida desafía la realidad y hace naufragar al que la sufre. Quizás la muerte de la madre/esposa haya escindido las relaciones internas entre ambos (no es baladí la crisis entre “lo masculino” del orden familiar, paradigma peterpanesco) pero, y aunque parezca una manera deprimente de empezar la historia, el guion nos disipa la duda. No nos encontramos ante ese tipo de historias lacrimógenas. El padre de Luis, en su niñez, sufrió casi una abducción y eso lo marcó de por vida. Toda la parafernalia presentada en aquellos objetos que nos recuerdan al universo ovni, incluyendo el telescopio, nos anclan a ese pasado en el que el progenitor parece fosilizado. La narración también incide en ese pretérito, cuestionando el trauma paterno, posicionándolo en un contexto woodstockiano de sus padres, los abuelos de Luis, que se toman la abducción a guasa mostrándose muy “sueltos”, por lo tanto, quizás lo soñase o no en cualquier caso, lo que se nos rebela es una premisa narrativa en la que el padre de Luis es el verdadero Friki y no su hijo, que simplemente ha heredado la tara y afronta sus consecuencias. Luis, por tanto, es el guardián de su padre y el defensor de sus causas perdidas. Podríamos seguir hablando de otras cosas pero entraríamos en el reino del ripio, desde las situaciones enrevesadamente estúpidas, como la presentación de los alienígenas y su objetivo que los traen a nuestro planeta, hasta el consabido romance velado, pasando por set-pieces de rocambolesco ritmo con el único fin de establecer una serie de niveles de producción y efectos especiales comparativos con otras propuestas. No obstante la singularidad se deja ver en algún que otro momento promoviendo la gratitud, como la persecución en el supermercado, que bien podría ser otro continente, o la secuencia en el interior de la casa del vecino, auténtica “puerta abatible” wilderiana de la confusión, que ayudan a introducirnos en una propuesta desigual pero eficaz con sus propósitos.

                                    Hotel transilvania 3 2

                Pero tenemos que hablar de más continentes, y al hacerlo con la propuesta de Genndy Tartakovsky, hay que citarlos en plural. Inmovilizándolos, observaremos la clave de su historia: la carencia de toda pretenciosidad. Su tercer Hotel Transilvania se lleva la palma desde ese prólogo en el interior de un vagón transilvano, donde aparecerá por primera vez el archienemigo de la troupe de monstruos, el profesor Van Helsing. La riqueza visual en la descripción del interior confraternizada con el look “cartoonesco” de los pasajeros, y aventura a mostrarnos la marca de la casa en todo lo que hace su director. La inmersión es apabullante, el traqueteo rítmico del tren, antecediéndonos una lección magistral de montaje de reacciones “Eisensteinanas” entre Drácula y Van Helsing, es fabuloso. Lo subrayo, la construcción de la película, o más bien, su idea de montaje está en todo su metraje y el disfraz de la peripecia(s) se torna anecdótico(s). La pedantería está muy sobrevalorada últimamente y cuando alguien nos cuenta algo, y sobre todo el cómo, sin subterfugios, sin rodeos, directo al centro mismo de lo que quiere relatar, con alguna que otra concisión (el momento “Macarena” derrumba todo lo que estoy diciendo pero también lo emparenta con su lógica narrativa interior), es de agradecer. Pero aún hay más. La premisa argumental es la de desubicar a Drácula de su tedio laboral como gerente del Hotel y hacerle disfrutar de unas vacaciones en un crucero. El viaje se nos presenta como una huida de la monotonía diaria hacia la aventura, con una serie de secuencias pasables en su contenido, ya sabemos cómo van acabar, dejándonos  unos continentes verdaderamente fascinantes para su exploración. Veámoslos, es lo único que merece la pena, al fin y al cabo ese es el objetivo pero es uno también honesto. Tartakovsky no engaña, su historia acerca de enamorarse, o mejor dicho según sus palabras, cómo sobrevivir a ese sentimiento, no pretende contar algo más por encima de sus dibujos.

                                     Triángulo de las Bermudas

                El Triángulo de las Bermudas es el primer peaje que tenemos que pagar en esta odisea. El humor se va construyendo en situaciones que se entrechocan, donde la causa y el efecto a veces son indistinguibles, y una buena escenificación es el diseño de este particular continente, conformado como pirámide de aviones y pecios destartalados, desaparecidos durante décadas y que confluyen en un punto del océano en plan “Torre Babilónica” donde reubicar la situación y redirigirla a destinos inciertos. Pero para acceder a ese lugar misterioso, tenemos que hacerlo con la invitación más obscenamente irresponsable de la función, la aerolínea Gremlin.

                                    Gremlin-Air-Hotel-Transylvania-3

                En su interior se vuelve a repetir el mismo esquema que en el vagón de tren del principio, por otra parte, mostrándonos una de las características del slapstick, su reiteración. Y es que nos encontramos en el interior de un constante homenaje a Tex Avery, Chuck Jones o Walter Lantz, y a todos aquellos míticos animadores de los que se fue alimentado Genndy Tartakovsky en sus sobremesas televisivas, y que también se alimentaron otros, como los creadores de Aterriza como puedas (David y Jerry Zucker, Jim Abrahams, 1980), por mantener un símil justificable. A cada plano interior del derruido aeroplano, le viene su respuesta salvajemente cómica con un plano exterior de consecuencias peores. El absurdo se convierte en acompañante de la historia y lo abstracto se hace patente en los diálogos y situaciones que sufren sus obnubilados pasajeros. Por último tendríamos que hablar de la meta, ese continente enigmático por antonomasia, la milenaria Atlántida. Aquí se nos cae el telón de la función. La idea muta en solución genialmente descabellada. Aquello que ha permanecido en la sombra de exploradores y conspiradores; aquello que ha ido alimentado todo tipo de teorías extraterrenales acerca de sus orígenes y saberes, todo es una farsa. Por fin el misterio se desvela. El fondo nos cuenta el artificio y el continente su verdad. Drácula y Ericka tendrán que pasar una serie de pruebas en el interior de la ciudad sumergida para encontrar un objeto, como si se tratasen de una pareja de “indianajones” muy particulares. A cada éxito resuelto se le concatena su resolución. El diseño de las sucesivas criptas a las que tienen acceso por los mecanismos más estrafalariamente deliciosos, se van agolpando en la retinas hasta comprobar el destino final, no como un lugar derruido y olvidado del tiempo, sino como un… ¡casino! a lo Vacaciones en el Mar (The love boat, 1977- 1987) o si se quiere a lo Frank Sinatra, personificado en un Kraken muy sui géneris.

                Hasta aquí los continentes, y aunque parezca separarlos de sus contenidos, nada más lejos de la realidad, ya que ambos términos son complementarios. Su descomposición nos llevaría a una abstracción brutal, imposibilitando cualquier análisis: para decir algo (fondo) necesitamos utilizar las palabras (forma) y sus giros sintácticos, sino entraríamos en el reino de la patochada, auténtico continente deshonesto.

                 

                 

                 

                 

                 

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                Proyectom05@hotmail.com (José Amador Pérez Andujar) Animación Sun, 22 Jul 2018 02:06:41 +0200